Quelques exemples de symboles des vanités : les fruits et légumes

        Un document a été mis en ligne par le Musée des Beaux Arts de Bordeaux à l’occasion de l’exposition sur la peinture hollandaise du XVII ème siècle. Il a été conçu par Isabelle Beccia, responsable du service culturel du musée. Il s’agit d’une synthèse de plusieurs ouvrages sur le thème notamment des animaux vivants et morts représentés dans les nature mortes de vanités. 

     L’abricot, par sa forme et sa couleur renvoie communément à la sexualité et donc à la déesse Vénus. D’un point de vue biblique il est symbole de la Trinité : sa peau, la chair et son noyau.

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Stilleven met bloemen en fruit, Jan Evert Morel (I), 1800 – 1808
olieverf op paneel, h 40.5cm × w 32.5cm.
Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/collection/SK-A-706

     L’artichaut

     C’est un aliment aphrodisiaque, non mentionné dans la Bible, mais présent dans les traités botaniques du XVI ème siècle où il était un emblème de la découverte botanique, une sorte de symbole de l’exotisme. Son aspect curieux lui donne une connotation liée à l’extravagance. Les égyptiens l’utilisaient dans leurs hiéroglyphes pour traduire l’idée de la fragilité humaine.

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Blad met bloemen: middenonder drie rozen tussen twee artisjokken, Adriaen Collaert, 1570 – before 1618
Source : https://www.rijksmuseum.nl/nl/collectie/RP-P-BI-5994/birds-flowers

      L’asperge

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Still Life with Asparagus, Adriaen Coorte, 1697
Source : http://en.wikipedia.org/wiki/Adriaen_Coorte

       Pline l’Ancien racontait que les asperges étaient le produit de cornes de bélier qui auraient été enterrées dans le sol. L’asperge est associée à la puissance sexuelle. C’est en effet un aliment qui aurait des vertus aphrodisiaques. 

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Landschap met groenten en vruchten op de voorgrond., Abraham Bloemaert, 1600 – 1651
Source : http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Abraham_Bloemaert_-_Landschap_met_groenten_en_vruchten_op_de_voorgrond.jpg

       Les cerises 

      La couleur rouge des cerises renvoie à la Passion du Christ, et notamment au sang du Christ. C’est également un emblème du Paradis, et donc un rappel pour les hommes de la vie éternelle. 

Une autre symbolique lui attribut un lien avec la Vierge, et notamment l’Annonciation et le Couronnement du Christ. 

Enfin, la cerise peut être symbole de sensualité, ou de volupté. 

Le citron

      Pline l’Ancien le citron incarne la fidélité en amour. Dans le mythe de Vénus et d’Adonis, quand ce dernier meurt Vénus fait pousser un arbre en mémoire de lui et le couvre de fleurs blanches et de citrons, symbole de fidélité. 

Parfois le citron est représenté tranché, son écorce apparente. Cela symbolique le déroulement de la vie terrestre, au cours duquel l’homme est sensé se détacher de son enveloppe corporelle pour élever son esprit. 

Adriaen van Utrecht, Still life, 1644, 185 × 242.5 cm, Rijksmuseum Source : http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Adriaen_van_Utrecht_001.jpg

Adriaen van Utrecht, Still life, 1644, 185 × 242.5 cm, Rijksmuseum
Source : http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Adriaen_van_Utrecht_001.jpg

La courge 

Jan Davidsz. de Heem, (détail) Festoon of Fruit and Flowers, 1660 - 1670 huile sur toile, h 74cm × w 60cm. Rijksmuseum Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=still+life&p=2&ps=12&ii=2#/SK-A-138,14

Jan Davidsz. de Heem, (détail) Festoon of Fruit and Flowers, 1660 – 1670
huile sur toile, h 74cm × w 60cm.
Rijksmuseum
Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=still+life&p=2&ps=12&ii=2#/SK-A-138,14

       La courge est un emblème de fécondité et de prospérité. Dans la culture biblique la courge est associée aux saints voyageurs, du pèlerin. C’est un symbole de résurrection. Dans la Bible, Dieu fait pousser une courge pour donner de l’ombre au prophète Jonas épuisé.

Clémence L.

Jan Davidsz. de Heem, Festoon of Fruit and Flowers,  1660 - 1670 huile sur toile,  h 74cm × w 60cm. Rijksmuseum Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=still+life&p=2&ps=12&ii=2#/SK-A-138,14

Jan Davidsz. de Heem, Festoon of Fruit and Flowers, 1660 – 1670
huile sur toile, h 74cm × w 60cm.
Rijksmuseum
Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=still+life&p=2&ps=12&ii=2#/SK-A-138,14

Fleurs, insectes et vanités au Rijksmuseum

Le bouquet de fleur : vanité ou anti-vanité ?

       Le Rijksmuseum possède une très grande collection de peintures représentant des bouquets de fleurs. Il s’agira à travers deux tableaux de comprendre en quoi peut-on voir dans un bouquet de fleurs une vanité. Nous étudierons les différentes symboliques des variétés de fleurs puis les celles des insectes ou petits animaux présents au près de ces bouquets.

       En tant que sources iconographiques,  Memory of the Netherlands fut une ressource utile, en écrivant les deux mots clés côte à côte « bloemer stilleven » (fleurs nature morte). Cette base de recherche est très utile, même si l’aspect esthétique parait ancien son moteur de recherche est efficace.  Il est possible d’écrire des mots clés en anglais ou bien en néerlandais. L’avantage lorsque nous sommes sur une page concernant un tableau, une photographie, etc… c’est que figure le cartel complet de l’oeuvre, parfois même ses anciens propriétaires. S’y trouvent les dates de vie de l’artiste, son nom complet, le ou les dates de l’oeuvre, ses dimensions, sa technique, son lieu de conservation et sa source. Ceci atteste du sérieux de ce site.

       Egalement pour ce qui est des ressources, un fichier pdf de la médiathèque de Tresses, réalisé par Isabelle Beccia, responsable du service culturel du musée des beaux-arts de Bordeaux, en 2011, a été utile. Cette étude est vraiment très complète et approfondie, elle traite de l’iconographie des vanités, il y a un glossaire de tous les éléments qui peuvent être présents dans une vanité et de leurs symboliques, comme des objets, des fruits, des végétaux, des animaux. Tout ceci présenté de manière très claire, lisible et plutôt agréable, regroupé par thème et complété par des citations issues du livre d’Olivier Le Bihan, La peinture hollandaise du XVIIème siècle au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux (1990), ou autres ouvrages figurant dans une bibliographie à la fin de l’étude. Sont même cités des passages bibliques lorsque c’est nécessaire pour justifier l’interprétation d’un élément.

Capture d’écran du pdf de la médiathèque de Tresses

***

        Comme nous l’avons déjà évoqué , la nature morte, et plus précisément la représentation de fleur, est très chère aux peintres du Siècle d’Or hollandais. Bon nombres d’artistes se spécialisent en tant que « peintres de nature morte ». Pour l’artiste, le bouquet de fleur permet d’exprimer son talent artistique, sa rigueur du détail et le travail du modelé, ainsi que de la lumière. Ils aiment aussi essayer de représenter des fleurs en pleine vie voire même le moment où elles commencent à fâner.

         Voici deux tableaux de peintres hollandais.

Hans Bollongier, Stilleven met bloemer, 1639, huile sur toile, 67.6 × 53.3 cm, Rijksmuseum, Asterdam

Hans Bollongier, Stilleven met bloemer, 1639, huile sur toile, 67.6 × 53.3 cm, Rijksmuseum, Amsterdam

       Le premier est du peintre Hans Bollongier, Nature morte avec fleurs de 1639. C’est un artiste originaire de Haarlem qui est né en 1600 et mort en 1645.

Balthasar van der Ast, Stilleven mit bloemen, 1630, huile sur toile, 59 × 43 cm, Rijksmuseum, Amsterdam

Balthasar van der Ast, Stilleven mit bloemen, 1630, huile sur toile, 59 × 43 cm, Rijksmuseum, Amsterdam

      Le second porte le même titre et il a été réalisé par Balthasar van der Ast en 1630, il est né à Milddelbourg en 1593//1594 et est mort en 1657 à Delf.

       Les fleurs

      Nous voyons dans ces toiles -et notamment dans la première- des fleurs de tulipes tachetées, en ce qui concerne cette particularité un article a déjà été fait dessus:  La tulipomanie.

      D’après la source présentée précédemment de la médiathèque de Tresses, nous pouvons apercevoir en plus des tulipes des roses, des pivoines, du muguet, et bien d’autres encore, ainsi que des herbes sèches.

      Le plus souvent, les fleurs coupées rappellent les choses passagères de la vie, la volupté, la luxure. Les étapes de floraison de ces fleurs renvoient aux âges de l’homme. La beauté des fleurs est très éphémère : elles ne durent qu’un temps, souvent le temps d’une saison, le printemps et l’été. La beauté des fleurs renvoient à la beauté des femmes, c’est un rappel de ce que les plaisirs de la vie sont passagers. Dans le bouquet de Balthasar van der Ast nous remarquons quelques branches de muguets, une fleur qui ne fleurie qu’au mois de mai et ne dure que quelques semaines. Le bouquet est une image du paradis sur terre, où tous les sens humains sont stimulés.

       La rose est d’autant plus représentative des plaisirs passagers de la vie, qu’elle est le symbole de la déesse de la beauté, de l’amour, de la fécondité Venus/Aphrodite mère de Cupidon/Eros qui pique par des flèches d’amour les êtres, un peu comme la rose qui symbolise l’amour et qui peut ainsi blessée.

      Il est peu évident d’attribuer les bouquets de multiples et belles fleurs au genre des vanités, car ils ne rappellent pas explicitement les dangers des passions de la vie. Cependant les artistes choisissent souvent de représenter ces bouquets avec des fleurs sur le point de faner, ce qui évoque leur fragilité et rappelle qu’elles sont très éphémères. Généralement les représentations des vanités sans caractère religieux  sont plutôt strictes quant à la finitude de la vie. Au contraire les fleurs font parties du cycle de la vie et des saisons: elles naissent, meurent, deviennent poussières, puis repoussent. Par exemple, les herbes sèches font allusion au verset du premier Epître de saint Pierre : « car toute chair est comme l’herbe et toute sa gloire comme fleur d’herbe ; l’herbe se dessèche et sa fleur tombe ; mais la parole du Seigneur demeure pour l’éternité » (1-24,25). A partir de cela nous pouvons élargir notre propos en affirmant que les peintures de vanités ayant un fort caractère religieux ne sont pas si pessimistes, dans le sens où nous aussi, humains, nous sommes voués à cette aspect cyclique et donc éternel, auprès de Dieu. C’est pourquoi nous pouvons dire que les vanités sont comme des avertissements pour se remettre dans le droit chemin avant qu’il ne soit trop tard.

      Les invertébrés 

       Dans ce genre de bouquets de fleurs qu’on pourrait voir comme des vanités, il est très fréquent d’apercevoir de petits insectes, ou bien des coquilles, coquillages, et comme on peut le voir ici, des escargots.

       Tout d’abord, en ce qui concerne l’escargot il a plusieurs significations selon le sujet représenté, mais le plus souvent il est à mettre en lien avec la féminité, comme Marie « peine de grâce ». En effet, la femme est « remplie d’eau », conception liée à la fertilité. C’est pourquoi souvent la Vierge Marie et la déesse Vénus sont associées à un récipient rempli d’eau. Dans le tableau de Bollangier on voit ce petit escargot glissant sur le rebord de la table où est posé le vase de fleurs, mais à son extrémité se trouve un lézard, symbolisant directement la mort. C’est un être qui aime les endroits ombragés et terrestres, ce qui nous fait penser à l’endroit où le corps se trouve lorsqu’il est inhumé. Cependant et paradoxalement encore une fois, se trouve la destinée cyclique du temps, par la présence d’une chenille à coté de cet escargot. Chenille, être éphémère lui aussi, mais qui se transforme en un joli papillon. Est évoquée ici l’idée de la rédemption : s’il on rentre dans le droit chemin et que l’on arrive à se détacher des vanités humaines, le paradis nous est encore ouvert. Les belles fleurs peuvent alors aussi représenter ce paradis céleste. On trouve aussi une libellule dans le tableau de Balthasar van der Ast. En grec, le mot « psyché » signifie à la fois âme et papillon, c’est pourquoi depuis l’Antiquité ce petit animal est considéré comme psychopompe, un être qui se saisit de l’âme lorsque notre corps s’éteint, pour  la guider vers les cieux. On rejoint encore une fois l’idée de l’espérance qu’après la mort il y ait dans la religion chrétienne la résurrection  et une vie éternelle auprès de Dieu. Nous pouvons voir que dans le tableau de Balthasar van der Ast un papillon est présent auprès des fleurs, qui vont bientôt mourir ou plutôt faner.

       Dans ce même tableau se trouve trois coquilles vides de mollusque de la mer. C’est le symbole du sexe féminin, comme tout coquillage (qui sont aussi des attributs de Venus). Symbole du sexe féminin et donc, comme l’escargot,  de la féminité, de la fécondité mais cette fois-ci avec l’idée de la chasteté. De plus ses coquillages sont au nombre de trois et rappelle d’autant plus le moment de l’Annonciation et de l’Incarnation du Christ, et la Sainte Trinité. Ces coquillages sont délaissés sur le rebord de la table, ce qui représente le délaissement de la foi et des Saints Commandements au profit des vanités humaines (gloire, luxure, richesse, faste etc.)

     Pour finir, la représentation des êtres comme la mouche dans ces bouquets fleuries renvoie explicitement à la souillure due au péché et au corps promu à la décomposition. La mouche rappelle la simple condition de l’homme s’il n’obéit pas aux règles sacrées de Dieu, sans promesse de résurrection et de vie éternelle.

      A travers cet article nous avons pu présenter une nouvelle forme de vanité, se trouvant dans  le règne animal et végétal. Mais nous avons pu voir que ces représentations sont paradoxales car elles évoquent à la fois le caractère éphémère de la vie et des passions, ainsi que le caractère cyclique de celle-ci. C’est pourquoi nous pouvons parler d’anti-vanité, car il y a un espoir de rédemption, de renouveau.

Clémentine J.

Les trois catégories de vanités en peinture

      L’historien de l’Art et professeur suédois Ingvar Bergström découpe les vanités en trois catégories distinctes. 

– La première est l’évocation de la vanité des biens terrestres. Les représentations de ce type de vanité comportent de l’argent, des bijoux, des objets précieux de collections, des armes, couronnes et régalias, pipes, fromages, pommes de terre, jambon, instruments de musique et jeux, tout ce qui renvoie à la vanité des plaisirs. 

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Pieter CLAESZ, Vanitas Still Life with the Spinario, 1628. Huile sur toile, 70.5cm × 80.5cm, Rijksmuseum.
Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/my/collections/143972–guust-cleiren/gouden-eeuw-stillevens/objecten#/SK-A-3930,5

– La seconde catégorie est l’évocation du caractère transitoire de la vie humaine. Donc c’est tout l’imaginaire des crânes, des instruments de la mesure du temps, des montres et des sabliers, des bougies et lampes à huile, du feu, des fleurs etc. 

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B. SCHAAK, Vanitas stilleven,1675 – 1700, Huile sur toile, 47cm × w 40.5cm
Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/my/collections/143972–guust-cleiren/gouden-eeuw-stillevens/objecten#/SK-A-844,32

– La troisième et dernière catégorie renvoie aux symboles de résurrection et de vie éternelle. Il s’agirait d’épis de blé, de couronnes de lauriers et d’écus de chêne. 

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Jacob van CAMPEN, Vanités au crâne et couronne de laurier, avec deux bougies allumées, 1645 – 1650, Huile sur toile, 86.6cm × 86cm, Rijskmuseum
Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=lauwerkrans&p=4&ps=12&ii=5#/SK-A-4254-3,42

       Les oeuvres illustrant ces catégories ont été trouvées sur le site du Rijksmuseum. Outre le fait de pouvoir créer son studio, c’est-à-dire sa propre collection de peintures selon des mots clés ou thèmes de son choix, la facilité avec laquelle on peut « explorer la collection » est un point fort de ce site car ce musée possède un nombre spectaculaire de gravures, dessins, peintures qui concernent directement le sujet des vanités. Le moteur de recherche permet de réaliser des recherches en anglais, mais on se rend bien compte que pour atteindre les studios, très utiles, crées par des abonnés, il faut plutôt utiliser des mots néerlandais. Le seul problème de ce site est qu’il n’est pas possible de le « suivre » sur un outil tel que Netvibes par exemple, car il ne possède pas de flux RSS. 

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Source : capture d’écran https://www.rijksmuseum.nl/en/search

       Pour la partie sur l’oeuvre de Heda, la National Gallery de Washington met à disposition des enseignants des dossiers pédagogiques. Sous forme de PDF, ce dossier concerne la période de l’Age d’or en Hollande. Cette publication date de 2007 et a été réalisée par un certain nombre de professeur, du département des « publications éducatives ». Ce dossier est accessible sur le site de la National Gallery directement et comporte une soixantaine de pages. 

 

 

                Les limites de cette catégorisation

       Mais cette catégorisation n’est pas toujours pertinente : en effet ces catégories ne sont pas étanches. En voici l’illustration par le commentaire d’une oeuvre.

      L’artiste, Willem Claesz Heda, est néerlandais, il est né en 1593/1594 et mort 1680. Il est l’un des plus grands peintre néerlandais de nature mortes notamment pour celles de petits-déjeuners et de banquets.

Willem Claesz Heda,  Dutch, 1593/1594–1680,  Banquet Piece with Mince  Pie, 1635, oil on canvas,  106.7=111.1 (42=43¾),  National Gallery of Art,  Washington, Patrons’  Permanent Fund����

Willem Claesz Heda, Dutch, 1593/1594–1680,
Banquet Piece with Mince Pie, 1635, oil on canvas, 106.7=111.1 (42=43¾),
National Gallery of Art, Washington, Patrons’ Permanent Fund

      La tartelette de Noël, ou tourte, était réservée pour les occasions particulières. C’était un met aromatisé aux épices très onéreuses. Les autres plats qui se trouvent sur la table sont également des plats de luxe : des citrons et olives importés, des huitres qui se consomment avec du vinaigre contenu dans une jarre vénitienne, du sel de saison dans une boite en argent, et du poivre à saupoudrer avec un petit cône de papier.  

     Au sommet de cette composition pyramidale se trouve un magnifique gobelet en bronze doré

    Le repas semble pourtant terminé, au vu du désordre apparent. La vaisselle est éparpillée voire couchée sur la table, un verre a même été cassé. La mèche de la bougie a été coupée. 

     Ces objets sont le symbole du caractère fugace de la vie, des rappels de la nécessité de se tenir préparer pour la mort et le Jugement Dernier. Les huitres sont également porteuses de sens : elles étaient déjà considérées comme aphrodisiaques, et donc elles signifient la luxure, le péché de la chair. Au centre de la composition se trouve un dernier met qui n’a pas été mangé. Trop occupé à profiter des plaisirs de la chair, les banqueteurs ont oublié de manger ce qui pourtant aurait pu les sauver : le pain de la vie, symbole du corps du Christ dans l’Eucharistie. Pour cette-dernière remarque, il faut évoquer le conteste religieux de l’époque, les protestants n’admettent pas le fait que le vin soit associé au sang du Christ et le pain à son corps (ce que les catholiques appellent la transsubstantiation). Ce délaissement du pain, donc le corps-même du Christ, symbolise encore une fois que les banqueteurs se sont adonnés aux passions humaines, plutôt que de porter attention à la religion. La nappe de la table apparait alors comme étant une référence au linceul christique, l’ombre de la vaisselle et des mets apparaissent nettement sur celui-ci, ce qui n’est pas anodin en terme de composition. 

     Un détail retient le regard : le reflet de la carafe en argent qui est ouverte : avec un peu d’imagination et en faisant pivoter ce reflet on peut distinguer la forme d’un crâne

Willem Claesz Heda, Détail n°1  Pièces de Banquet avec Tartelette de Noël, 1635, huile sur toile, 106,7 = 111,1 (42 = 43 ¾), National Gallery of Art, Washington, Patrons » Fonds permanent

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Zoom carafe, idem source.

     La taille importante de ce tableau fait que les objets représentés sont à taille humaine, d’où cette impression forte de réalisme

    Cette nature morte de vanité évoque les biens terrestres (première catégorie) puisqu’on y voit de la nourriture de luxe, des beaux plats à servir en argent et bronze doré, chandeliers, assiettes. Mais elle renvoie également à la deuxième catégorie : la fuite du temps, avec le symbole des citrons qui s’oxydent rapidement et donc qui perdent leur belle couleur en peu de temps; et la bougie. Enfin, on peut voir dans la présence du pain et de la nappe blanche des symboles christiques faisant référence à la rédemption et la vie éternelle. 

Ainsi, non seulement les peintures de l’Age d’or sont très variées en terme d’objets représentés, mais la catégorisation n’apporte pas une clé de lecture puisque ces trois axes sont intimement liés

Clémence L. 

Les enjeux de la représentation des vanités

       Pour répondre à ce sujet, Études épistémè, revue électronique publiée chaque semestre consacrée à l’étude de la littérature et de l’histoire en Europe du XVIe au XVIIe siècle, a été très utile. Elle est publiée par l’université de Paris III. La publication est dirigée par deux professeurs de cette université, Gisèle Venet et Line Cottegnies. 

Premier paradoxe : la représentation des éléments de l’iconographie et la nécessité d’un aspect esthétique 

        L’aspect esthétique des vanités est primordial : bien que le message soit moral et funeste (memento mori), renvoyant aux différentes passions humaines (savoir, gloire, richesse et plaisirs de la chair) les natures mortes de vanités sont avant tout belles. C’est là tout le paradoxe de ces images : représenter l’idée de la mort et de la fuite du temps de façon extrêmement attrayante pour l’oeil. Ceci est particulièrement visible en peinture, où les contrastes de couleurs, la lumière, subliment les objets représentés avec tant de minutie. En gravure, l’oeil est moins distrait, le sujet apparait plus clairement, il est ainsi plus « terrifiant ». 

        Voici deux gravures : une du néerlandais Jan Kuyken et Pieter Arentsz et une autre de Barthel Beham un allemand, tous deux ayant vécu au XVII ème siècle. Le site du Rijksmuseum permet de faire des recherches par mots clés dans l’onglet « explorer la collection ». En rentrant un mot, plutôt en néerlandais, comme « zandloper » (« sablier ») on trouve un certain nombre de gravures du XVII ème siècle sur le thème des vanités. Les gravures sont répertoriées par mots clés plus que par thème (les vanités par exemple). 

Source https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=zandloper&p=2&ps=12&ii=6#/RP-P-1896-A-19368-545,18

Pieter ARENTSZ (II), Femme assise à une table avec une bougie allumée, sablier et un crâne, Jan Luyken, 1687, gravure, 95mm × 78mm, Rijksmuseum Source: https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=zandloper&p=2&ps=12&ii=6#/RP-P-1896-A-19368-545,18

         La gravure de Jan Kuyken possède une composition classique, d’un intérieur peu détaillé, mis à part deux arcades esquissées dans l’arrière plan. Ces arcades renvoient à un lieu sacré, un temple ou peut être une église. Une femme, en vêtement de type monastique indique de sa main droite la bougie qui se consume. En nature morte sur la table un crâne, un sablier. Sur les genoux de la femme, un livre ouvert. Le graveur a réussi à rendre la lumière de la bougie. Cette gravure simple est belle et efficace : on saisit l’idée de la nécessité de préparer son âme au Jugement Dernier qui est proche, référence fait par les arcades, grâce à la Bible, livre posé sur les genoux.

La gravure de Barthel Beham est plus « violente ».

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Barthel BEHAM, Enfant endormi avec quatre crânes et un sablier, 1512 – 1540 Gravure, 54mm × 76mm, Rijksmuseum. Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=zandloper&p=1&ps=12&ii=11#/RP-P-OB-4201,11

         Un jeune enfant type putto est endormi les bras croisés sur la poitrine, tel un gisant. Les crânes au premier plan sont massifs et représentés en gros plan. On perçoit chaque détail de ces derniers, notamment celui sur la droite qui est vu du dessous. La morbidité est ici frappante. D’autre part, l’orientation de ce crâne vu di sotto in su renvoie directement à celle de l’enfant. Il y a un jeu de correspondances pour souligner encore une fois la brièveté de la vie. Le passage de l’enfance à la mort est représenté comme étant très rapide. 

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Barthel BEHAM, (détail) Enfant endormi avec quatre crânes et un sablier, 1512 – 1540 Gravure, 54mm × 76mm, Rijksmuseum. Source : https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objecten?q=zandloper&p=1&ps=12&ii=11#/RP-P-OB-4201,11

Second paradoxe : la représentation de l’irreprésentable (la mort, la fuite du temps, le néant)

       C’est justement parce que la représentation de concepts abstraits est difficile que l’iconographie des vanités s’est « institutionnalisée » : le crâne, la bougie, le sablier etc. Tous sont des symboles d’une idée précise. Grâce à ces éléments stables, la lecture des vanités se fait facilement, en dépit des différents modes de représentations et des variations. 

      La simplicité de ces modes de représentations est typique du Siècle d’Or. Tout comme des artistes tels que Frans Hals par exemple dans ses portraits, les vanités sont empreintes de « réalisme ». L’utilisation d’éléments quotidiens de l’époque : les fleurs, les bougies, le sablier. Les éléments du quotidien sont utilisés et mis en scène pour illustrer plus généralement des idées ou des proverbes.

Résolution des paradoxes : les sources littéraires de l’époque ou comment fournir aux peintres un imaginaire pour représenter les vanités. 

       La source principale du XVII ème siècle aux Pays Bas était Roemer Pieterszoon Visscher (né à Amsterdam en 1547 et mort le 19 février 1620) , un négociant hollandais et un auteur d’épigrammes populaires. Ses emblèmes de l’ouvrage Sinnepoppen ont beaucoup circulé, et ainsi on retrouve des modèles de bougies, symbole de l’écoulement du temps (ici des petits clous percés dans la bougie indiquent la vitesse à laquelle fuit le temps).

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Source (capture d’écran) : http://graauw.home.xs4all.nl/sinnepoppen/sinnepoppen.html Van ROEMER VISSCHER, SINNEPOPPEN, Gravure « Bij glafen om » 1614

       Jacob Cats a aussi fourni, avec son Emblemata, des modes de représentations des objets du quotidien. Par exemple cet emblème de la bougie assorti de la mention « Flamma fumo proxima »

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Source : (capture d’écran) http://emblems.let.uu.nl/c162717.html Jacob Cats, Flamma Fumo Proxima, Emblemata, Gravure, 1618

On retrouve cette idée de bougie, outil du quotidien, employée en peinture pour symboliser la fuite du temps.

        Pour cette dernière partie, l’article de Christophe de Voogd, La civilisation du « Siècle d’or »aux Pays-Bas publié sur le site Clio – Voyage Culturel est très intéressant et complet sur le Siècle d’Or. Christophe de Voogd est maître de conférence à l’Institut d’études politiques de Paris Ancien directeur de la Maison Descartes. L’article est hébergé par Clio, un site d’historiens voyageurs désireux de faire partager leur plaisir de l’exploration culturelle.

Clémence L.

Tulipomanie et Vanités en peinture : la crise de février 1637

Le premier article que j’ai lu au sujet de la Tulipomanie est celui de Wikipedia. Le site wikipedia est une encyclopédie libre sur internet, autrement dit un « wiki » : les pages que contiennent ce site sont modifiables par les visiteurs, il suffit pour cela de se créer un compte. C’est en fait une véritable communauté avec 16 845 contributeurs actifs et 1 777 734 utilisateurs inscrits à ce jour. À la base, c’est un projet co-fondé par un homme d’affaires américain, Jimmy Wales, datant de janvier 2001. On ne pas dire que c’est une source fiable mais cette encyclopédie en ligne permet d’avoir une première version et une vision globale de ce que l’on recherche.

En ce qui concerne l’article sur la Tulipomanie il est  complet et contient un certain nombre de parties. On peut voir une partie intitulée « La crise de la tulipe dans les arts » avec une sous-partie « Quelques exemples dans la peinture » que je trouve très complète et détaillée. Cet article sur la peinture est écrit à partir du catalogue d’exposition qui a eu lieu au Rijksmuseum en 2006 appelée « Flowers, Tulips, roses and hyacinthe at the Rijksmuseum Schiphol Amsterdam», introuvable en livre numérique. Je pense que ce qui fait la fiabilité de cet article est la présence de plusieurs notes de références.

 J’ai complété ma recherche sur ce sujet en trouvant un article le concernant sur le site herodote.net. C’est aussi une encyclopédie en ligne sur l’Histoire universelle. Nous trouvons le « qui sommes-nous » tout en bas de la page d’accueil dans « Contact ». Il est dit que les articles publiés font références dans le milieu de l’enseignement. Ce site a le soutient des « amis d’hérodote.net », un livre numérique leur est dédié chaque trimestre. Le site propose en plus des articles, des chroniques deux à trois fois par semaine. Dans ce « qui sommes-nous », nous trouvons le détail de l’équipe rédactionnelle que je vous invite à aller regarder car il est très complet. La navigation sur ce site semble assez ludique, avec des pages thématiques. De plus, la page de l’accueil correspond aux actualités du site, ce qui montre que le site est mis à jour en permanence.

Capture d’écran Hérodote.net

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Venons-en à notre sujet: la Tulipomanie et sa représentation dans les Vanités.

La Tulipomanie est une des premières crises économiques résultant de l’explosion d’une bulle spéculative. En fait de « fonds pourris » ou de subprimes, il s’agissait alors du prix du bulbe de la tulipe. Ce dernier était en effet monté en flèche avant de s’effondrer subitement. Un graphique du site internet tiré d’un blog intitulé Fortune illustre cette chute libre.

Capture d’écran 2014-03-18 à 18.43.17

Retour en arrière pour comprendre le déroulé de cette crise. L’essor de la compagnie néerlandaise des Indes orientales (VOC), fondée en 1602, a permis la prospérité d’une nouvelle classe de marchands et de négociants. Cette nouvelle est classe est très friande de ce qui se fait de plus précieux et voire même de rare. C’est dans ce contexte que s’inscrit la Tulipomanie. Le bulbe de la Tulipe provient de l’Asie par le relais de l’Autriche, cette fleur passionne les bourgeois par sa beauté, mais aussi parce qu’elle est la fleur d’ornement de la puissante Constantinople. De plus, lorsque les bulbes sont apportés en Europe, ils comportent un virus mutant dont la reproduction est quasi impossible et fait une couleur tout à fait extraordinaire à la fleur, avec des taches. Ce qui accroit leur rareté et la passion pour ces fleurs. Les prix flambent en milliers de florins (sachant qu’un ouvrier spécialisé gagne 150 florins par an) et provoque une crise car les acheteurs ne peuvent plus respecter leur contrat. Cette partie de la population fait faillite et se retrouve ruinée.  Certains économistes font même référence à la crise des subprimes de 2006.

Jacob de GHEYN, still life, 1603, La Haye

Jacob de GHEYN, still life, 1603, La Haye

La représentation des fleurs dans les natures mortes, aussi bien en tableaux qu’en planches illustrées, est très développée au Siècle d’Or, elle permet une alternative durable aux fleurs périssables. La représentation de la tulipe dans ce «contexte de crise » s’ajoute à cela. Cette fleur symbolise à la fois que tout périt ici-bas (comme le crâne ou la bougie), mais c’est aussi une critique par les calvinistes de la vanité du luxe développée par l’essor de la bourgeoisie marchande, qui est aussi figurée par les bijoux et les bibelots luxueux. 

Le tableau présenté est de Jacob de Gheyn (1565-1629), il l’a peint à La Haye à la fin de sa vie en 1603. Comme on peut le voir la fleur de tulipe représentée à gauche est associé au crâne, symbole par excellence de la vanité et de la mort. Ce crâne se veut être celui d’Adam, qui se trouvait aux pieds de la croix du Christ. On peut également voir deux calices, symbole de l’eucharistie et de la passion du Christ qui s’est sacrifié pour l’humanité. La tulipe est aussi associée à la bulle de savon qui évoque la nature éphémère de la vie. Enfin, elle se complète aux pièces d’or voulant démontrer la vanité du luxe et cette folie d’achats de tulipes à un prix très élevé.

Pour conclure, on a pu comprendre que la Tulipomanie a une grande incidence aux Pays-Bas pour l’économie qui a subit un grand choc. Mais aussi dans la société d’artistes, les peintres ont vu dans cet événement un nouveau thème de représentation des vanités : la nature éphémère de l’existence associée à la vanité de la richesse.

Clémentine J.

 

Le message moral des vanités

Le site internet du lycée de Versailles fournit un PDF en ligne sur le sujet des vanités. Il possède une seule page. Un paragraphe entier est consacré à une partie du sujet qui nous intéresse : le message moral des vanités.

La vanité, en exposant des éléments triviaux de la vie terrestre, permet de rappeler au spectateur que ces choses de la vie quotidienne diffèrent de Dieu, et ne sont en aucun cas essentielles. Les fruits souvent présents sont présents pour montrer le caractère éphémère de la vie. Plus explicitement souvent un crâne appuie cet argument. Le crâne renvoie à celui d’Adam, souvent représenté au pied de la croix du Christ, dans le but de raviver l’histoire du péché originel, et de l’immortalité de l’homme perdu à cause du péché.

La Bible qui est représenté tout simplement en livre ouvert, est la clé de compréhension d’une vanité, qui la distinguerait d’une nature morte ordinaire.

Le site internet du Louvre propose des notices sur des oeuvres sélectionnées, sur un thème, ici la nature morte.

Sous l’aspect donc anecdotique, qu’il est possible d’interpréter comme un travail technique sur la représentation d’objets et de choses, se cache un message moralisateur.

Ce qui nous amène à réfléchir sur la façon de lire une vanité. Chaque élément, chaque motif constitue une pièce du discours moral. Par exemple, la présence d’animaux dans une nature morte veut incarner un plaidoyer contre le désordre, l’aspect irréfléchi, en un mot la frivolité.

Cette peinture de Adriaen van Utrecht de 1644, conservée au Rijksmuseum, représente une nature morte, on y voit des fruits (raisins, clémentines, cerises, pêches, citrons, mirabelles, groseilles, abricots etc.), de la viande (jambon), des crustacés (crabes, homards) et du vin, des instruments de musiques, des plantes, un encensoir, des livres et un drap blanc. Le drap blanc représente le linceul, et rappelle le message religieux de cette oeuvre.

Sont également présents des animaux, vivants, tels qu’un singe, un chien et un perroquet. Ces animaux ont tous des symboliques bien précises. Le singe incarne le désordre, les pulsions humaines, le chien la fidélité, mais il est ici à moitié rasé ce qui montre le processus d’affaiblissement de cette vertu. Le perroquet lui représente la luxure.

En outre, certains éléments sont « entamés » d’autres pas. Le citron à moitié pelé et coupé en deux, le jambon, la tourte, la partition ouverte, le chien à demi rasé, les fruits qui ont une teinte moins vives (comme le raisin et les fruits au premier plan qui tombent du panier renversé). D’autres ont un aspect intact : le livre fermé sous le violon, la couleur jaune vive des citrons, le homard qui parait encore vivant. Il y a donc cette opposition qui veut faire comprendre au spectateur que rien ne dure, et que le processus d’écoulement du temps est déjà en marche, e temps s’écoule inéluctablement. Il n’y a pas d’issue possible à ce processus, parce que l’homme est impulsif comme un singe, est distrait par la luxure et les plaisirs de la chaire, dont le perroquet incarne ce vice, et enfin il n’est plus fidèle, ou du moins sa fidélité est-elle en train de se détériorer.

Notons également que le chien est souvent attribué à Judas dans les représentations de la Cène, ce chien qui regarde vers le drapé blanc, symbole de la Passion du Christ.

Clémence L.

La représentation de la bougie dans les vanités

A partir de deux ressources bien différentes l’une de l’autre nous pouvons comprendre le ou les symboles d’une vanité en la définissant et en étudiant l’iconographie.

Caroline BOUVIER, enseignante de Lettres Classiques au lycée Eugène Delacroix de Maison-Alfort a publié un article sur son blog intitulé « Aspect du baroque: vanité » qui permet de définir les éléments des vanités. Ce blog est hébergé par LeWebPédagogique qui est une communauté éducative francophone, créée en 2005, permettant par le biais d’un blog, un échange complémentaire aux cours entre enseignant et élève.

Enfin, le site du Memory of the Netherlands regroupe les reproductions photographiques de toutes les collections se trouvant aux Pays-Bas. Cette base de donnée est mise en relation avec la Koninklijke Bibliotheek (National Library of the Netherlands). A partir de là la recherche « vanitas » permet de visualiser toutes les représentations portant le nom de vanités.

Nous pouvons constater à partir de ces deux ressources, que l’on peut retrouver dans les représentations une bougie allumée, ou bien une bougie éteinte ou encore un chandelier vide.

Par l’aspect pédagogique d’un blog d’enseignante au lycée, nous pouvons dire que la bougie caractérise la fuite du temps, le caractère éphémère de la vie. Mais nous pouvons aussi penser à la lumière divine. En effet, les vanités ont souvent une morale religieuse cachée derrière elles. On peut justifier cette remarque par le dossier effectué par le « club de philo » du lycée de Sèvres.

J’ai pris ici deux exemples antinomiques pour expliquer la signification de la bougie dans la vanité.

Johannes van den Aveele, Vanitas stilleven met schedel en kandelaar, 1699, Amsterdam Museum

Johannes van den Aveele, Vanitas stilleven met schedel en kandelaar, 1699, Amsterdam Museum

Le premier de Johannes van den Aveele (1699) avec une bougie allumée sur le coté du tableau au coté d’un crâne éclairé très vivement par une lanterne dans laquelle se trouve un sablier. Ce tableau peut faire penser au coté religieux de la vanité, rappeler au spectateur que sa vie entière doit être consacré au christ et que son objectif ultime est d’aller au paradis.

Pieter Symonsz Potter, Vanitas stilleven, 1646, Rijksmuseum

Pieter Symonsz Potter, Vanitas stilleven, 1646, Rijksmuseum

Le second de Pieter Symonsz Potter (1646) avec un chandelier vide, qui insinue que la bougie est terminée et symbolise encore plus le coté morbide de la vie.

Ces exemple expriment finalement ce qu’on appelle par rapport à la vanité le memento mori (« rappelle-toi que tu vas mourir »).

Clémentine J.

Toute nature morte est elle une vanité ?

Le site internet du Rijksmuseum répertorie les oeuvres conservées et exposées au sein du musée. Le site est en néerlandais et peut être traduit en anglais.

Il y a quatre possibilités offertes : explorer la collection, faire une recherche dans la collection, le Rijksstudio et « recherches et bibliothèque ».

Explorer la collection permet de parcourir le catalogue numérisé des oeuvres à partir de quatre onglets : les « gros plans » contenant les chefs d’oeuvres; « feuilleter la collection »; puis les oeuvres concernant l’Histoire et enfin la partie réservée aux expositions temporaires.

L’autre possibilité permet elle d’effectuer une recherche dans la collection via un moteur de recherche, à partir de critères tels que le nom de l’artiste, de l’oeuvre ou de la scène.

Ce site est très utile pour trouver les oeuvres conservées au musée, de bonnes qualités. En faisant une recherche à partir du moteur de recherche « vanitas » on trouve de nombreux onglets permettant de trouver les artistes qui ont travaillé sur ce sujet.

Le site ne fournit pas beaucoup d’analyses, d’articles ou d’ouvrages numérisées. Par ailleurs, il y a une différence subtile entre « explorer la collection » et « rechercher dans la collection »

et dans l’onglet « explorer la collection » il y a un onglet qui permet de faire une recherche, ce qui recoupe la fonction de « rechercher dans la collection ».

Le dictionnaire en ligne Larousse est utile pour trouver les différents sens d’un terme. Il définit la nature morte comme étant un genre artistique caractérisé par la « représentation pictural d’objets, de fleurs, de fruits, de l’égumes, de gibier ou de poissons ». La définition précise plus tard que la vanité est une nature morte qui comporte une « juxtaposition de certains motifs ».

Le Larousse fournit une information quant à l’apparition du terme de nature morte : ce mot daterait de 1650 « still-leven » aux Pays-Bas. Une telle provenance s’explique par le gout des pays d’Europe du Nord pour la « réalité concrète des choses », et ce, notamment en Hollande.

Domino est un portail qui répertorie des ressources numériques en ligne. Par le biais de ce portail, on trouve un lien vers le site de Persée. Persée est une bibliothèque en ligne de revues scientifiques dans des domaines des sciences humaines et sociales, et notamment d’Histoire de l’art.

Sur le site de Persée, en tapant dans le moteur de recherche « vanités natures mortes » on trouve l’article de Marc Blanchard, professeur de littérature comparée à l’Université de Californie, Davis. Le sujet de son article porte notamment sur la question :

Toute nature morte est elle une vanité ? 

Dans son article numérisé accessible sur le portail Persée, Marc Blanchard sillonne cette question de la nature morte et des vanités.

La vanité est une catégorie à part de la nature morte du fait de sa charge symbolique : la mort qui « guette l’amateur de choses terrestres » par des fleurs qui se fanent, des os, une montre ou horloge qui marque la fuite du temps. La nature morte fait appel au sens uniquement visuel, alors que la vanité éveille la conscience de son spectateur. Le message d’une vanité est d’ordre moral, qui veut dénoncer le caractère vain des biens terrestres, toutes appelées à disparaitre. L’utilisation des fruits, des fleurs et des légumes est probant car ces produits moisissent presque à vue d’oeil. C’est une référence à notre propre avancée vers la mort.

Clémence L.